篮球世界杯在哪买球:名画真的好看吗?为什么

问题:像毕加索的作品,就是很奇怪啊。不明白为什么它可以成为名画?

《为什么你会觉得名画丑》

作者:多粒

来源:界面

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题图为毕加索作品《阿尔及利亚女人》,在去年5月拍出创纪录的1.79亿美元。

用现代审美的标准站在上帝视角评判这些名画,是不公平的。

你是否曾对课本上那些关于名画的溢美之词充满不解?比如《蒙娜丽莎的微笑》的“端庄优雅、美丽动人”,又比如马蒂斯的“色彩明快、人物生动”——你是否横看竖看也无法看出画中人美在哪,却又因为不想被说成“没品”、“不懂欣赏”而不敢开口,只能将这样的疑惑深深埋藏在心中?

如果真是这样,看到这里你应当觉得欣喜:第一,你不是一个人;第二,这篇文章将会为解决你的疑惑做一些微小的贡献。

在质疑名画为什么这么丑之前,先要弄清楚什么才是“名画”。把名画解释为“有名的画”并非不对,但却忽略了理解名画最重要的元素:谁让名画变得有名,以及名画为什么有名。

让一幅画作成为名画的有两类人:权贵和艺术批评家。在欧洲,权贵阶级是画家们的出资人,也是大师们直接服务的对象(是的,这种关系延续至今),他们能够直接决定一位年轻画师能否进入权贵阶级的小圈子而成为“画家”。若一位公爵夫人不小心看中了某一个年轻画家的作品,并高价收入的话,这位年轻画师就差不多上道了——今后若有人想要讨好这位公爵夫人,必然会给这位画师高价佣金,他的作品也就会流行起来。而那幅被高贵的公爵夫人收入囊中的作品也就可以等着被艺术批评家琢磨一番,若是平平无奇的话或许也就这样了,但若批评家们大放一番溢美之辞或满腹挖苦的话,这幅画就很可能作为当时的一个现象被记录下来,日后成了艺术史学家笔下的“名画”了。

18世纪法国皇家艺术学院沙龙的盛况,从看客们的穿着就能轻易判断出所处阶级

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在很大程度上,艺术史就是由这些欧洲权贵们撰写的。不过,请不要把权贵们想得那么骄奢淫逸、昏庸无能。彼时的权贵阶级坐拥优厚的物质条件,男性大多能文能武,不仅精通剑法射猎,也满腹诗书。佛罗伦萨公国最伟大的统治者之一,洛伦佐·美第奇就是这样一个人,洛伦佐不仅是君主,也是达·芬奇和波提切利等人的主赞助人之一,就是在他的治下,佛罗伦萨公国才有了文艺复兴的盛世。

说了这么多,只想说明一件事:没有一幅画单纯因为“美”而有名,每一幅名画的诞生都需要画家精湛的技艺以及当权者的认可和支持,尤其是在文艺复兴时期。

在那个时代,有许多画作因为刷新了“美”的概念而被铭记史册。美的概念,直到现代主流审美统治大家的眼睛之前,一直伴随着时代的洪流不断进化、完善。而“美”的进化一直以来都仰仗着大师们高超的技术。

在摄影诞生之前,绘画一直都是一种用于记录事实的技术,所以在此之前那些被认可的“杰作”,皆代表了那个时代绘画的最高水平。这里最广为人知的例子,就是经常被人吐槽的《蒙娜丽莎的微笑》。在吐槽蒙娜丽莎是男是女或者达·芬奇是不是同性恋之前,大家要知道在此之前的人像画都是这样子的:

杜乔·迪·博宁塞纳:《庄严圣象》,约1311年

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杜乔·迪·博宁塞纳:《以赛亚书》,约1324年

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我们需要正视的是,早期的西方美术只为宗教服务。欧洲各地集金钱与权力于一身的教会从未在“宗教事宜”上吝啬过,他们在欧洲各个城市布下各式各样的教堂,用造价高昂的马赛克和金箔(这些金箔是货真价实的金,所以才能在将近10个世纪后依然闪闪发光)重金打造,自然也出了高价让声名最盛、技术最精湛的匠人(当时尚未诞生画家的概念)把这些教堂打造成教士们想要的样子:华丽、壮美、高不可攀,无处不象征着神权的至高无上。

然而在很多现代人看来,以拜占庭艺术为代表的中世纪美术除了背景中的大片金色熠熠生辉之外,无非是暗淡的用色、呆板的人物表情动作和肃穆到令人窒息的宗教色彩。这种不可抗的“呆板”在乔托的笔下有了一些改善:下图为乔托名作《哀悼基督》,一副在许多人眼里依旧毫无美感的画作。

乔托:《哀悼基督》,约1305年

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我们只需要稍微细致一点,就能发现图中人物的面部有了悲怆的表情,衣物有了褶皱,能使观者感到锻料的质感,画中人物也有了动态,而不是之前呆板的立像——这些在许多人眼里依旧不起眼的细节,在当时来说却是革命性的进步,也是这样一幅“毫无美感”的作品成为名画的原因——你眼中的丑画,却为那个时代的虔诚的信徒们实现了所有关于光荣与圣洁的幻想。

看到这里,你也许就会开始觉得蒙娜丽莎的美不再那么难理解了。我们再来看看这幅传世名作:

达·芬奇的旷世名作《蒙娜丽莎》

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你是否看到了更为柔和写实的色彩,更加丰满生动的人物轮廓,以及无限接近100%还原的皮肤的质感?以及之前几幅作品都没法捕捉到的那种似笑非笑的表情?也许你依然无法感到美,但这不妨碍你感受到绘画技术的进步:要知道,从乔托到达芬奇,走过了将近200年。而在这200年间,还有许多人为绘画技巧的提升所做的努力未能有幸被世人所知。更不用说《蒙娜丽莎》一作更深刻的历史意义:有史以来第一次,绘画的主题由神变成了人,文艺复兴运动正式被推向高潮。

这就是你觉得名画丑的原因之一:你在用现代主流审美标准评判这些画作。在你的眼里,蒙娜丽莎没有现代女性的动人和娇媚,是因为你已经看惯了色彩更加生动鲜明、人物刻画更动感的广告、漫画和其他摄影作品。而现代社会中纯熟的绘画技巧和主流审美体系,是在包括了达·芬奇、拉斐尔、提香、卡拉瓦乔等等大师的努力下形成的。在此之前的人类,根本没能有幸体会这种美。换句话说,用现代审美的标准站在上帝视角评判这些名画,是不公平的。

而诸如《蒙娜丽莎》被永载史册更重要的原因是,它们是人类文明的见证:从文艺复兴开始,人们不再完全被笼罩在神权之下,人性的美丽和光辉在画作中得以显现。

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拉斐尔的名作《草地上的圣母》,画中的圣母完全是一名普通的意大利妇女形象,目光温柔地注视着圣婴。和刻板的中世纪宗教画相比,拉斐尔的作品将圣母身为女性的美刻画地淋漓尽致。

除文艺复兴作品之外,被质疑得最频繁的还有以毕加索、马蒂斯等近现代画家。与学院派画家们不同的是,毕加索们活跃在后工业革命时期,在那个年代,摄影技术已经问世,绘画失去了它的纪实功能,开始向新的角色过渡。20世纪的绘画,有着前所未有的多样性:印象派、后印象主义、野兽派、立体派、超现实主义、形而上学绘画相继诞生,巴黎的艺术沙龙盛况空前。大家普遍觉得丑的名画《哭泣的女人》就是在这样的背景下诞生的。

《哭泣的女人》

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也许文艺复兴三杰的作品还能用他们精湛的技术说服你,而《哭泣的女人》在许多人眼里简直一无是处:可怕的用色、粗犷的笔触、支离破碎的脸孔——这样的搭配可能会瞬间摧毁一个决心膜拜学院派大师们的人对于绘画的信仰。

然而,这些都不妨碍《哭泣的女人》成为一幅旷世名作。确切地说,正是这些让《哭泣的女人》永载史册——粗犷的线条和猎奇的用色让“立体主义”这个名词被艺术史铭记,而在那个年代,任何一个新诞生的名词都代表着美术的一种新的可能性——原来肖像画还能是这样的。

所以,在质疑《哭泣的女人》太丑或没有技术含量时,你可曾想过是否真的像你说的那样,随便谁都能画出这样的作品?模仿也许不难,难的是创新并在创新的道路一直走下去,开创一个画派,并吸引一众追随者。马蒂斯、高更和塞尚的作品被载入史册也不外乎这个道理。

当学院派大师们实现了绘画技术的极致,作为艺术的绘画需要的是创意的革新。而上述在你眼中作品有些丑的画家们,都是走在这条路上的开拓者。你当然可以吐槽《哭泣的女人》形态与颜色的丑,但试问在此之前,有谁能想到可以用这样的方式表现人物呢?

另一幅普遍被觉得“不怎么好看”的作品,马蒂斯的《带绿色的女人肖像》。大胆的线条和用色充分体现了马蒂斯“不按规则用色”的理念,让昙花一现的野兽派被艺术史铭记。

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说了那么多,觉得名画丑无非两个原因:第一,将主流审美模式带入了艺术欣赏;第二,局限于美术作品表面的美学意义,而忽略了更深层次的历史价值。自始至终都没有人强迫你认为名画是美的,博物馆里陈列这些画作并不是为了重塑你的美学观,而是为了告诉你这些画作有何历史意义、连接着怎样的变革、隐喻着怎样的事件、表现了哪些人类文明的成就。

所以说,觉得名画丑和会不会欣赏其实没有关系,却和有没有文化有关系。

— THE END —.

精彩语句:

1,用现代审美的标准站在上帝视角评判名画,是不公平的。

2,在质疑名画为什么这么丑之前,先要弄清楚什么才是“名画”。把名画解释为“有名的画”并非不对,但却忽略了理解名画最重要的元素:谁让名画变得有名,以及名画为什么有名。

3,让一幅画作成为名画的有两类人:权贵和艺术批评家。在很大程度上,艺术史就是由这些欧洲权贵们撰写的。

4,觉得名画丑和会不会欣赏其实没有关系,却和有没有文化有关系。

5,在摄影诞生之前,绘画一直都是一种用于记录事实的技术,所以在此之前那些被认可的“杰作”,皆代表了那个时代绘画的最高水平。

6,早期的西方美术只为宗教服务。欧洲各地集金钱与权力于一身的教会从未在“宗教事宜”上吝啬过。

7,《蒙娜丽莎》一作更深刻的历史意义:有史以来第一次,绘画的主题由神变成了人,文艺复兴运动正式被推向高潮。从文艺复兴开始,人们不再完全被笼罩在神权之下,人性的美丽和光辉在画作中得以显现。

8,模仿也许不难,难的是创新并在创新的道路一直走下去,开创一个画派,并吸引一众追随者。

9,觉得名画丑无非两个原因:第一,将主流审美模式带入了艺术欣赏;第二,局限于美术作品表面的美学意义,而忽略了更深层次的历史价值。

10,自始至终都没有人强迫你认为名画是美的,博物馆里陈列这些画作并不是为了重塑你的美学观,而是为了告诉你这些画作有何历史意义、连接着怎样的变革、隐喻着怎样的事件、表现了哪些人类文明的成就。

名词延伸:

1,桑德罗·波提切利:是15世纪末佛罗伦萨的著名画家,欧洲文艺复兴早期佛罗伦萨画派的最后一位画家。他画的圣母子像非常出名。受尼德兰肖像画的影响,波提切利又是意大利肖像画的先驱者。

再优秀的艺术家也抵挡不了多变的社会政治形势,1492年,佛罗伦萨发生政治巨变,劳伦佐去世,美第奇家族遭放逐,宗教极端主义的萨沃纳罗拉掌权。波提切利也是他的追随者之一,并曾在臭名昭著的“虚荣的篝火”中烧毁过多幅自己的画作。或许是因为这个原因,波提切利的后半生声名下滑,晚年贫困潦倒,只能靠救济度日。在生命的最后几年,他不问世事,孤苦伶仃。1510年,波提切利死于贫困和寂寞之中,安葬于佛罗伦萨的“全体圣徒”教堂墓地。

2,“虚荣的篝火”:历史上有这样一场篝火,以信仰为名,扬言着“禁欲”和“原罪”,肆无忌惮地烧毁了一切与其相违背的事物,包括艺术品、绘画、书籍、乐谱等等杰出的人类创造。中国“焚书坑儒”的实质其实也是统一思想的运动。

3,《哀悼基督》:是乔托在1305年至1306年为意大利帕多瓦的阿雷那礼拜堂所作的装饰壁画之一。是幅戏剧性浓厚,并且富有强烈感染力的画作。在耶稣的遗体周围,是一群绝望的女圣徒和使徒们。

此画表现了基督遗体即将下葬时的情景,除人物具有浓厚的人情味外,构图也突破了中世纪平面而抽象化的程式,以左下角的基督与圣母为焦点核心,展开了一个表现心灵与情感的动人场景。

阿累那教堂众多的壁画中,最著名的四幅是:《金门之会》、《逃亡埃及》、《犹大之吻》和《哀悼基督》,后两幅是乔托最有名的杰作。

4,野兽派:是20世纪最早出现的新艺术象征主义的画派。特点是狂野的色彩使用和强烈的视觉冲击力,常给人不合常理的感觉。1905年一群以亨利·马蒂斯为首的年轻画家在巴黎秋季沙龙展出自己的形象简单,色彩鲜艳大胆的作品,震惊了画坛,人们惊呼“这简直是野兽!”从此画坛上出现了一个新的野兽派。

亨利·马蒂斯:法国画家,作品造型夸张,多用单纯的线描和色块的组合,形成装饰感的画风,追求装饰和形式感,是马蒂斯艺术的本质。他也是一位出色的雕塑家,他是现代派雕塑的先驱者之一,其雕塑作品追求简洁、结实的风格。

现代生活中还会用到“野兽派”,上海的野兽派花店名字就来源于绘画潮流,野兽派花店是新一代线上花店,创始人为Amber。仅凭微博上几张花卉礼盒的照片和140个字的文字介绍,从2011年12月底开通微博以来,野兽派花店已经吸引了数十万粉丝,甚至连许多演员都是常客。

— THE END —

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回答:

问题中涉及到两个概念,一个是好看,一个是名画。

好看与否,反映的是我们的审美问题。是否好看,与是否是名画没有任何直接关系。正如你看着漂亮的女孩,在别人眼中未必漂亮一样,每个人的审美观是不同的。更直接一点来看,对业余观者而言,好看与否实际上是画得像不像的概念。画得很像,就认为好看,反之就是不好看。而真正的艺术品是创造出来的,是有个体生命力的,是抽象的,不能简单的用好看与否来衡量。

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凡是能称上名画的一定是艺术品,而不是一副简单的画作。首先,艺术品普遍包含三种价值:美学价值、经济价值和社会价值。

美学价值要纵观历史来看,再不懂艺术史也没有关系,只提三个时期,分别是文艺复兴、印象主义和现代艺术。不用翻艺术史也能本能地觉察到三者之间的变化,文艺复兴追求写实、印象主义模糊化,到了抽象画或者现代艺术时期开始面目全非。审美疲劳这个词用在这里比较合适,当美术经过了那么多年的发展,绘画忽然变得跟实物一模一样的时候就会失去意义(何况相机已经发明),现代艺术当然会随之而来。

毕加索是现代艺术的创始人,想想看假如我们生活在19XX年(请问这究竟是第几世纪的初还是末……TAT),满世界都是梵高莫奈的时候,毕加索的画突然冒出来,该会给我们带来多大的冲击力(可以联想一下LADY GAGA)。先撇下喜欢不喜欢来说,至少我们会很容易记住这个人,忽然发觉原来画也可以这样画,感情可以这样表达。另外毕加索本人是个非常擅长炒作的人(不举例了),他是全世界这么多艺术家里生前活得最好的之一,享尽了一切的荣华富贵,所以经济价值无需再提。

至于社会价值——艺术界总是喜欢不停地分析分析分析,就算是没有价值也能搞出来一些价值来。在我看来毕加索的画所能带来的社会意义,就是一种精神上的痛苦。毕加索红起的时代刚好是十九世纪:两次世界大战,世人普遍痛苦。毕加索的画你初看会觉得非常不舒服——没错,他的社会价值就是表现出了这种不舒服、痛苦、癫狂,与大多数人的感情结合了起来。其它你不喜欢的艺术品基本也是这样分析。根据我的经验越是抽象的东西就越是简单地理解,美、丑、变态……你的第一感觉是什么,其实大部分时候就是艺术家想表达的东西。所谓艺术,其实就是艺术家表达了出来,并且让大家去接受。

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其次,小众与大众的问题。艺术大部分时候是自少而多的,我没有说自上而下,因为我认为审美或艺术这种主观的事情,很难有什么上下之分。但小众影响大众的例子太多,一个人开启了一样东西,十个人被感动,创造出了更适合的形式或载体,从而影响到一百个人、一千个人。这就是不被大众接受,实际上也能创造价值的原因。文学作品其实也是一样,普鲁斯特写了《追忆似水年华》,开启了意识流,但很少有人读。乔伊斯受到他的影响写了《尤利西斯》,在文学界便影响了更多的人。接着是伍尔夫……就是这样有越来越多的人开始阅读意识流,并且给写作注入了新的精神和方式。好的实验作品会激发许多人的灵感,而灵感需要刺激,大部分人都不太喜欢刺激。这就是为什么很多人不喜欢前卫艺术,但前卫艺术照样存在。在这方面毕加索真的是一个例外(就因为他太会哗众取宠),大部分时候小众艺术和大众艺术的关系有点像T台和时装,T台上的衣服不会有太多人穿,但经过一次再次的再加工,就变成了我们日常的装束。

或者举个理科生的例子:菠菜是不是含铁非常丰富,只有小部分人才会去研究。研究得出了结果,OK,我们去吃菠菜就好。为什么?有多少人关心?

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还一个问题,大部分艺术家或艺术作品,在未被传播前都只有少数人知道和理解而已。或者即便只有10个人理解,它所带来的价值已经沉淀在了历史中。就像很多年以前人们都以为地球是方的,现在我们听到也许会觉得可笑,但我们会一直记得:在一开始,大家以为地球是方的。这是既定事实。但我还是觉得社会无论怎么变化,理解毕加索的人都会不止是十个人。因为人类的情感是共通的,没有地域、时间、宗教的影响。痛苦就是痛苦,永远都会有人痛苦,于是永远有人看到毕加索的画,会觉得只有毕加索才理解他的痛苦。

回答:

首先,小编认为名画的衡量标准并不能用“美”与“丑”来判断,名画的价值也不仅在于美丑而且一个人的美丑判断或者说是审美能力也是由个人的价值观、天生审美素养、教育环境而塑造的。正如毕加索,大师的创作才能就是从童年时期就已经展现出来。(如下图,是毕加索的童年名作《斗牛士》)

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正如大多数人认为艺术是晦涩难懂的一样,认为名画丑也只能说明艺术欣赏与真正的百姓之间还隔着距离。我们不了解艺术家所生存的年代与环境,不能感知到他们的世界……我认为这才是有的人认为名画丑的原因。对于名画来说,想理解并真正欣赏它,你只有通过不断地搜寻艺术家在创作当时的文化、历史、艺术背景,尝试着与艺术家创作的过程“感同身受”,才去真正理解艺术。但是,对于艺术作品来说,还有另一部分更重要的价值来自于画作之外——外界社会加以的解读。在这里又突然想到一个问题,为什么在大家的心目中,艺术家的形象多半还是局限于那些生活在几个世纪前,当今早已逝去的人?现在的日常生活中,艺术家是否越来越少?

答案当然是不是,在现实社会中,拥有高超技术或艺术能力的人并不是不存在的,而是现在的艺术逐渐拥抱了百姓,艺术创作越来越多的能够被大众百姓所理解,我认为,这样的艺术也并不比那些名作差。所以,觉得名画丑这个现象,不可避免,而且一定也会一直存在。

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